Overlooked 2023: Los mejores álbumes del año hasta ahora no los revisamos

Queremos escuchar más, necesitamos escuchar más. El deseo de consumir la mayor cantidad de música posible tiene un peso siempre presente sobre nuestros hombros. Pero es una carga que aceptamos con gusto, ya que uno de los sentimientos más grandes del mundo es cuando podemos compartir algunos de nuestros discos favoritos con personas de ideas afines. Si somos honestos, simplemente suceden demasiadas cosas en nuestras vidas como para documentar adecuadamente toda la música que amamos y, como resultado, muchas de estas maravillas menos conocidas pasan desapercibidas. Porque, por cada lanzamiento promocionado, hay innumerables otros que merecen nuestra atención, relegados a un segundo plano mientras analizamos las ofertas de los principales sellos discográficos y los supuestos favoritos de la crítica.

Y por eso, cada año lanzamos nuestra función Overlooked como una forma de abordar algunos de estos pecados, una especie de expiación por todos los álbumes que no hemos revisado oficialmente pero con los que hemos pasado horas conversando. Este año ha estado especialmente lleno de influencias externas e incidentes que sacudieron al mundo, lo que ha resultado en que muchos lanzamientos, tanto convencionales como independientes, no reciban la atención o el espacio adecuado que merecen en nuestras columnas.

Este año, hemos incluido más de 50 álbumes que están esperando que usted acepte su singularidad, su belleza y la forma en que reducen a escombros los muros que rodean nuestros corazones. Desde colosos del metal que hacen temblar los huesos y excéntricos del hip-hop hasta excursiones ambientales atmosféricas y narradores de folk minimalistas, la lista no se ciñe a ningún género en particular, optando en cambio por presentar 2023 como un año marcado por una experimentación creativa ilimitada. Puede que no los hayamos reseñado, pero estos son definitivamente algunos de los mejores álbumes del año, y te están esperando. Así que siéntate, desplázate y transmite.

Escuche una lista de reproducción de Spotify de nuestras canciones favoritas de nuestros álbumes Overlooked 2023 aquí.

[Interscopio]

Amaarae no ve la música en términos de etiquetas o géneros restrictivos: el artista ghanés-estadounidense descubre el tejido conectivo entre varios sonidos y explora las formas en que cada historia musical específica existe para servir los deseos de los demás. Fountain Baby es un ejemplo perfecto de cómo integra y expande exitosamente esta estética inquisitiva, ya que su último álbum es un hermoso cambio de ideologías rítmicas y la encuentra abriéndose camino a través de un paisaje caleidoscópico de R&B estremecedor, pop de gasa y hip-hop exuberante. brincar. Es tan hermoso como ácido, trata de púas envenenadas y derribos crueles al mismo tiempo que ofrece un vistazo a las intensas vulnerabilidades que residen en el corazón de estas canciones.

Por mucho que ofrezca alardes delirantemente pegadizos y comentarios directos, la música nunca pasa a ser una ocurrencia tardía de lo que dice; todo se acumula en un torbellino emocional que puede abrumarte si no se toman medidas para esquivar su furia. La libertad que se siente aquí es incomparable; no hay rincón que ella no ilumine y ningún impulso que no se complace. Desarrolla un dominio completo de estos laberínticos hilos melódicos, tejiendo una perspectiva complicada y necesaria de creatividad e innovación ilimitadas. Fountain Baby es una maravilla bizantina, una colección de reflexiones sinceras sobre el amor, el arrepentimiento, el sexo, la agencia personal y la ira; es una acusación mordaz de las asociaciones tóxicas y una oda abrasadora a la necesidad y devastación de las conexiones emocionales. -Joshua Pickard

[Brío]

Hay un gran mar de belleza en Love in Exile, el nuevo álbum deAarooj Aftab,Vijay Iyer, yShahzad Ismaily , un retumbar de jazz ambiental que habla de grietas por descubrir que esperan ser iluminadas. Una procesión de piezas de larga duración que hablan de los afectos y deseos individuales de los artistas, el disco no busca frenar ninguno de sus impulsos más salvajes; en cambio, abarca los espacios abiertos en los que opera cada músico. Las protestas en urdu de Aftab cubren las líneas sueltas de piano y órgano de Iyer y los meticulosos escalofríos del bajo de Ismaily. Manteniendo la naturaleza efímera y espiritual de Vulture Prince de 2021, esta colaboración habla de recuerdos atormentados unidos a través de revelaciones electroacústicas, profundizando en nuestro subconsciente colectivo en un esfuerzo por separar los hilos comunes de nuestras experiencias.

La música es tan incorpórea como el humo, pero demuestra una considerable seriedad emocional revelada a través de una colección de melodías hipnóticas y ritmos no categorizables. Aquí hay misterios, grandes momentos incognoscibles que nos llevan en círculos e insinúan algo más grande, algo que debemos descubrir y reconciliar. La atmósfera está cargada de una energía críptica, deliberada en su dirección pero libre para vagar sin tener en cuenta a nadie que esté al alcance del oído. El piano, nítido y hábilmente aventado, recuerda la gran historia de varios compositores clásicos, mientras que fragmentos de Moog y bajos punteados apuntalan la fluidez de una voz tan inquietantemente cercana que parece casi voyerista permanecer en su presencia. Los sonidos son esquivos, pero están cargados de un deseo de compañerismo, y en las naturalezas conflictivas de la música, Aftab, Iyer y Shahzad insinúan una complejidad definida por las grandes maravillas emocionales de nuestras vidas. -Joshua Pickard

[Sepulcro blanqueado]

Bailey Miller El segundo álbum de Love Is A Dying es una colección de grabaciones íntimas, con estilos de baja fidelidad con raíces folk progresivas; es perfecto para aquellos que quieren más música parecida a Tiny Vipers en el mundo. Grabados en secuencia de finalización, muchos de los temas aquí son grabaciones de una sola toma, que capturan la energía espontánea del momento; En temas largos como “glaciar”, “admirador” y “espejo” hay una sensación tangible de electricidad melancólica en el aire. Sin embargo, el álbum se nutre de esto: a veces parece que estamos escuchando a escondidas los momentos privados de Miller. “hambre” con sus notas de piano arremolinadas y “callejón sin salida” con su guitarra barítono eléctrica y voces fantasmales y reverberantes se sienten como intrusiones en el espacio personal. A medida que cada pista se construye a partir de la anterior (ocasionalmente haciendo referencia a lo que vino antes), se desarrolla una historia y el dolor se profundiza. Por encima del canto de los pájaros, el mundo exterior se filtra y rodea la solitaria voz de Miller en “goldfinch” mientras pregunta: “¿Qué pasa cuando tus sueños están muertos? / ¿Resucitarán en otro lugar?” Puede que el álbum no ofrezca una respuesta (la pista final, con su calmante crescendo, vira hacia territorio pesimista), pero a medida que pasa el tiempo a su alrededor, Miller parece decidida a buscar una respuesta, a través del amor, la angustia, el arrepentimiento y las pequeñas alegrías. que vienen con el día a día. – Ray Finlayson

[Conocimiento profundo]

Bruja campana Especialízate en un lodo de tierra, el sonido de maquinaria antigua que cobra vida y devora todo lo que encuentra a su paso. Siempre han sido ambiciosos en la forma en que se construye este trueno colosal, pero en Future's Shadow Part 1: The Clandestine Gate, su deseo de una teatralidad ennegrecida se lleva al extremo. Compuesto por una sola pista de 80 minutos, el álbum habla de su amor por el maximalismo abierto y la moderación metálica, mientras la pista fluye sin esfuerzo entre una instrumentación apenas visible y una aniquilación fúnebre de percusión. Casi como un progresivo en su capacidad para segmentarse en mini-suites, la canción es una maravilla de control y liberación, una colección meticulosamente elaborada de reflexiones post-metal y repeticiones zumbantes que revelan las profundidades que quedan por explorar en esta tierra quemada de prosperidad. Caos e intensa introspección.

Hay un precedente para esto, ya que la banda había lanzado previamente otra pista de 80 minutos en forma de Mirror Reaper de 2017. Pero mientras esa canción/álbum trataba de una angustia y desesperación interminables por la muerte del cofundador y baterista de la banda Adrián Guerra, el último se siente triunfante y decidido en su impulso por descubrir nuevas vías de revolución musical. Pocas bandas son capaces de manejar este tipo de cambios tonales y reconfiguraciones melódicas, pero Bell Witch prospera con las convenciones trascendentales, y Future's Shadow Part 1: The Clandestine Gate se erige como un monumento a cómo el volumen y la variación melódica pueden entrelazarse sin renunciar a la relevancia emocional. Es enorme y en ocasiones abrumador, pero nunca pierde de vista su propio propósito como oda totémica a la vida y la experiencia individual. -Joshua Pickard

[Transgresivo]

El episodio es una catarsis de principio a fin.Ben Gregorio El álbum debut en solitario de aborda la salud mental de frente con un enfoque tan inquebrantable que hace imposible no discutir con los detalles que precedieron a su creación. Escrito a raíz de la disolución de su banda Blaenavon y después de recibir tratamiento en hospitales psiquiátricos, el episodio se enreda con la inestabilidad que trajo este período de su vida. “Blue Sea Blue” es una epopeya de más de 10 minutos que ofrece primicia tras primicia de detalles fascinantes, desde una pompa electrónica silenciadora hasta pasajes de guitarra que evocan paisajes y el gancho vocal fundamental de “a veces creo que nací solo para tener un hija."

Trabajando con un alcance y una escala nuevos para él, Gregory sale de su zona de confort y el resultado final es vertiginoso y fascinante. “Deathbed Hangover” es todo sintetizadores relucientes, con percusión estridente como una lavadora avergonzada, cortes de guitarra nervudos y voces procesadas y autoafinadas; es un deslumbrante paso hacia afuera que evoluciona y se transforma a lo largo de sus siete minutos de duración. En otra parte, “((fall away 'til morn..))” evoca a Bon Iver al piano mientras “manifest*” y “God bless you” se unen hacia un futuro esperanzador. La catarsis se presenta de muchas formas, como se demuestra en el episodio, pero cada forma que adopta es innegablemente invaluable para Gregory. – Ray Finlayson

[Nuevo trato / brío]

Durante la ultima decada,Blake Mills se ha convertido en un intérprete y compositor muy solicitado para artistas como Perfume Genius, Laura Marling, Jack Johnson, Feist, Stephen Malkmus… la lista es prácticamente interminable. Esto muestra su versatilidad y naturaleza adaptativa de su forma de tocar, pero es en su propio trabajo donde realmente logra expresar su estilo único.

Sin embargo, no está completamente solo en su nuevo disco, Jelly Road; lo acompaña el músico de jazz Chris Weisman. Los dos habían formado un vínculo mientras creaban las canciones para la adaptación televisiva de Daisy Jones and the Six que persistió (y floreció) en la grabación de este álbum. Muy lejos de las estrictas instrucciones que les habían dado para el trabajo de la banda sonora, Jelly Road los encuentra yendo en todo tipo de direcciones, siguiendo sus caprichos hacia estratos auditivos de ensueño.

Sí, si somos reduccionistas lo llamaríamos un álbum indie/folk, pero hay tantas texturas, letras y opciones de producción que elevan a Jelly Road. La meliflua voz de Mills y su suave interpretación te adormecen naturalmente, la naturaleza soporífera de las canciones te coloca en un espacio donde flotas a través de sus extrañas reflexiones de cuento de hadas con vívida claridad. Ya sea atravesando un plano resonante sobre la escasa roca del desierto de “Breakthrough Moon”, considerando la naturaleza de la música en el maravillosamente serio “Unsingable”, observando con calidez los presagios que se desarrollan en “Skeleton Is Walking” o dando un paseo por la parábola “ Jelly Road”, hay una imaginación infinita filtrándose en cada parte de este disco. –Rob Hakimian

[estante superior]

Parece que nuestra realidad son solo los sueños colectivos de la banda de Albany, Nueva York.Bruiser y bicicleta , un grupo de músicos que operan bajo el manto del freak-folk pero cuyo trabajo también incorpora extensos desvíos del rock progresivo y olas de dicha mutada del art-pop. Puedes escuchar ecos de bandas como Akron/Family y Squid a lo largo de su último álbum, Holy Red Wagon, pero estas piedras de toque creativas familiares no se emplean solo para aprovechar la buena voluntad establecida de sus influencias. Este álbum es la forma que tiene la banda de separarlos y moldearlos en algo cohesivo, vertiginoso y más que un poco desorientador. Aquí no hay constantes, ni géneros en los que confiar, sólo una serie de perspectivas en continuo cambio limitadas únicamente por la resistencia de la música a la clasificación memorística y envalentonadas para rechazar evaluaciones serias de asociaciones emocionales.

Básicamente, Bruiser y Bicycle saben exactamente lo que están haciendo, y nosotros simplemente los acompañamos. Canciones como “Lunette Fields Speak” y “Aerial Shipyards” desarrollan y mantienen un impulso considerable, incluso cuando se extienden más de siete minutos. Extraños golpes de percusión y escalofríos retumban junto con una iridiscencia pop psicodélica: es como recoger una concha de la playa, colocarla junto a tu oreja y escuchar lo que suena como Brian Wilson dirigiendo a Animal Collective a través de una serie de versiones de The Incredible String Band. A medida que caes más profundamente en el abrazo de Holy Red Wagon, la sensación de estar perdido en sueños dentro de sueños se vuelve abrumadora. Con el tiempo, el álbum se convierte en un diálogo surrealista entre la banda y su audiencia, una discusión que desciende en espiral a lo largo de décadas de música pop y folk experimental y las ondas rítmicas en constante expansión producidas a partir de estas conversaciones. -Joshua Pickard

[Supersonido de pueblo pequeño]

carmen villano Hacer trabajos de banda sonora parecía un siguiente paso inevitable en su carrera. Su tipo de ambiente encantador, como se muestra en Only Love From Now On, vino con una sensación subyacente de movimiento, permitiendo que las pistas se desplegaran en nuevos espacios en lugar de dejar que se quedaran en el lugar. La música del Monumento Viviente es curiosa entonces: extractos de una partitura para una actuación de dos horas y media de Carte Blanche, la Compañía Nacional Noruega de Danza Contemporánea, las cinco piezas aquí despojan la música de Villain de unas pocas capas de lavado hipnogógico diseñado para acompañar el movimiento lento. . El “oro” es como aire pesado en un espacio donde está a punto de estallar una tormenta. Hay movimiento, pero es mucho más sutil y pacífico, y requiere más concentración que los trabajos anteriores de Villain; esto se siente más como música para quedarse dormido, incluso cuando estás concentrado.

Aún así, es un ambiente encantador. Cuando cambia los acordes de “Multicolor”, se siente como si se abriera una puerta en tu mente, mientras que “Violet” suena como el zumbido de una catedral durante un encantamiento. “Silver” de nueve minutos presenta voces susurrantes celestiales después de una pista de percusión similar a una canoa chocando contra un muelle con el chapoteo de las olas. Muchas de estas pistas también fueron seleccionadas de piezas más largas, y cuando estás completamente inmerso, hay un anhelo que te deja el álbum; Habría sido fascinante y absorbente asimilar las pistas completas, pero como toda buena música ambiental, Living Monument te deja con ganas de permanecer más tiempo en su mundo sonoro. – Ray Finlayson

[52Hz]

Colin Stetson Tiene una bestia colgada sobre sus hombros, un saxofón descomunal que amenaza con engullirlo cada vez que toca: a él y a todos los que se encuentran dentro de su alcance. Su precisión técnica y su capacidad para aparentemente darle la vuelta al instrumento son maravillas, pero es la forma en que extrae fascinantes catarsis emocionales de su construcción de latón lo que te deja sin aliento, desorientado y hambriento de más. Su último álbum, When We Were That What Wept for the Sea, continúa aprovechando sus puntos fuertes únicos, desarrollando una exploración casi espontánea y absolutamente dolorosa de la pérdida familiar y las formas en que procesamos el duelo. El álbum actúa como un medio para buscar respuestas sobre cómo afrontar la muerte repentina de su padre y, a través de estos ritmos urgentes y enredados, busca un bálsamo para el dolor de su corazón.

Con la ayuda de la cantante Iarla Ó Lionáird, el guitarrista Toby Summerfield y Brighde Chaimbeul en las flautas escocesas y Matt Combs a cargo de los arreglos de cuerdas, Stetson extrae revelaciones personales a través de líneas de saxo tan densas que deforman la realidad que nos rodea, con estruendos retumbantes que desgarran. en el tejido de nuestras percepciones. “Mucho antes de que el cielo se abra” posee un timbre de magnitud gigantesca, una belleza zumbante que eclipsa todos los demás sentidos, al menos temporalmente. “Behind the Sky” es una ruidosa y aberrante porción de ruido de jazz, un rugido atronador que llena el horizonte con ondas de ondulaciones estáticas, una colección de pulsos mecánicos que fluyen y refluyen debido a una fuerza de marea invisible. El álbum es turbulento pero no exento de esperanza, disonante y, sin embargo, acogedor de su abrazo tectónico: una visión de recuerdo, dolor y perseverancia como sólo él podía imaginar. -Joshua Pickard

[K / Perenne]

Según la opinión generalizada, la música que se encuentra en Great Big Open Sky es trip-hop y, si bien sin duda lleva las características distintivas del género, es un poco injusto vincularla por completo a esa etiqueta.margaritasTambién se mueven en un terreno de sintetizadores y dream pop, con toques de ambient glacial.

La voz herida y ligera como una pluma de la cantante Valerie Warren ancla su sonido tembloroso, incluso resbaladizo, a mundos alejados de la cultura americana que podría implicar la obra de arte del álbum. “We Don't Need Money” es un punto culminante inmediato, una frágil mezcla de romanticismo y pesimismo, lo que crea una mezcla extraña y identificable. El álbum es una especie de paradoja: cálido pero distante, inmediato pero paciente. Sobre todo, es una experiencia en la que vale la pena pasar tiempo. – Chase McMullen

[Aguirre]

Si bien ha estado creando música ambiental suavemente hermosa desde 2015,H.Takahashi Podría decirse que alcanzó nuevas alturas (y ciertamente obtuvo una audiencia más amplia) con Low Power de 2018. Fiel a su título y a su sorprendente obra de arte, el disco cerebral lo llevó hacia un mundo nuevo: explorar el agotamiento (tanto mental, físico como existencial) de nuestro mundo moderno.

Vinculándose con un artista belgaDavid Edrén , el inquieto arquitecto japonés vuelve a tomar nuevas direcciones. La música de Flow es serena e incluso majestuosa, rebosante de compasión y movimiento, combinando su inspiración titular con gracia natural. Está lejos de ser pura música de fondo, rebosante de vida y éxtasis sutil. En pocas palabras, es un candidato para mi lanzamiento ambiental favorito de 2023 hasta ahora. – Chase McMullen

[FPE]

Continuando y basándose en el trabajo creado como parte de Debo Band, el saxofonista, compositor y etnomusicólogo DA Mekonnen utiliza un enfoque integral en su álbum debut homónimo comoniño dragón . El álbum es una exploración vívida y ampliada del jazz, el ambiente y los espacios abiertos de Etiopía; en algunos aspectos es más una etnografía que un álbum, incorporando grabaciones de campo para crear una sensación de ubicación. (El disco de vinilo del álbum viene con un mapa topográfico grabado de los campos de lava del este de Etiopía en el reverso de la música).

A veces vibrante y otras reconfortante y tranquilo, el álbum explora diferentes contornos sin problemas. Durante 20 minutos, el tema final “Meditation (Ancestor)” forma un absorbente zumbido de la exploración del free jazz, mientras que en “Above All” Mekonnen lleva su saxo a un fascinante plano astral. Una gran cantidad de invitados también ayudan: Sunken Cages (también conocido como Ravish Momin) agrega una energía electrónica nerviosa a “The Source”, mientras que Claire Rousay agrega calidez textural al ambiente mántrico de 14 minutos de “Meditation (Reprise)”. Vibrante y detallado, dragonchild es una serie de paisajes para explorar; la música te invita a quedarte quieto, unirte a la fiesta de baile o entrar y salir a tu propio ritmo. – Ray Finlayson

[Cielo de vainilla]

Adelantándose a la curva,Eleni Drake Ya estaba descansando en la tristeza post-verano antes de que comenzara la temporada. Lanzado en mayo, Surf The Sun de Drake está inmerso en una soleada melancolía, todo carácter feliz y ojos cansados, hartos de vivir la vida detrás de gafas de sol. Drake, que evoca a personas como Faye Webster y Lana Del Ray, puede evocar un estilo familiar, pero su habilidad para conseguir la vibra adecuada es acertada.

“Rookie”, todos licks de guitarra bajo el sol del mediodía y voces en capas, es una magia dichosa, mientras que “Strawberry Moon” es el contraste de la ensoñación nocturna más fría. Hay influencia de Billie Eilish manchada en “Buzz Cut”, pero sigue siendo un hermoso momento de aliento (“Pero lo que no notaste, cariño, es que últimamente te ha ido mejor”); es un tema que existe incluso entre los momentos más abatidos de Surf The Sun. Puede que a veces exuda una lánguida tristeza, pero incluso antes de que llegue el vigorizante clímax del penúltimo tema, “Shades of You”, tiene un tono tranquilizador que ofrecer. Un brazo alrededor de un amigo deprimido, compañía durante un mal momento del año o simplemente alguien que te recuerde que la vida continúa después de la tristeza del verano: Surf The Sun es todo eso, un aliado confiable para tener a tu lado una vez que sale el sol. puesta más temprano en la noche. – Ray Finlayson

[Trufa negro]

Entre unos pocos músicos orgullosos que se esfuerzan continuamente por impulsar genuinamente lo que se puede hacer con una guitarra desde finales de los 90,Giuseppe Ielasise ha alejado cada vez más hacia la abstracción a lo largo de su carrera.

Para su primer álbum en Black Truffle, desciende más en ese viaje, experimentando y fragmentando su guitarra eléctrica hasta el punto de que a menudo se vuelve irreconocible. Se mueve entre lo ambiental y algo más extraño, posee una energía profundamente nostálgica, incluso lúgubre, eternamente buscando recuerdos desvaídos, atormentados. Como casi todo el catálogo de Black Truffle, es misterioso, conmovedor, completamente singular y profundamente personal. – Chase McMullen

[Club de pelusa]

¿Qué pasaría si Nick Cave decidiera entregarse plenamente a los impulsos post-punk más ruidosos que han marcado su trabajo en el pasado y crear un álbum de guitarras ácidas y teatrales densas de shoegaze? Puede que se parezca muchísimo al lanzamiento debut deHoras Doradas , un Frankenstein homónimo improvisado a partir de una colección comunitaria de historias de rock 'n' roll oscuramente hipnóticas e informado por un afecto particular por la psicodelia cósmica. Con miembros y co-conspiradores musicales pasados ​​y presentes de Gang of Four, The Brian Jonestown Massacre, Tricky, The Fuzztones y The Third Sound, la banda se basa en una amplia reserva de experiencias y estéticas, con el multiinstrumentista Wim Janssens describiendo su Suena como una “hermosa fricción” y revela que “cada idea se prueba y se desarrollará en una canción o se omitirá en un abrir y cerrar de ojos”.

Desde el penetrante dentado punk del abridor “Come and Find Me” hasta la borrosa desolación shoegaze de “Dead On”, el álbum nunca cede en su obsesión con ciertas atracciones gravitacionales y las cosas extrañas que se acumulan en sus órbitas. A la electricidad post-punk de “Run Man Run” se le permite correr libremente mientras que los movimientos locomotores de “Not Enough” hablan de la necesidad de cambio de la música; Mientras tanto, “Keep on Dreamin'” recuerda las revelaciones de la era Darklands The Jesus and Mary Chain. Este álbum es un regalo para cualquiera que esté obsesionado con My Bloody Valentine o Echo & the Bunnymen, un testimonio desgastado y desgastado del poder de estos sonidos y de estos músicos que buscan cambiar nuestras expectativas sobre ellos. En ocasiones mesurado y a menudo caótico, el álbum establece la importancia de mirar hacia atrás para apreciar mejor dónde nos encontramos ahora. -Joshua Pickard

[Épico]

MientrasICECOLDOBISPO ha tenido cabezas parloteando por un momento, particularmente gracias a una aparición que se roba la escena en Super Tecmo Bo de Boldy James & The Alchemist, de alguna manera, su álbum debut ha pasado desapercibido. Al diablo con la relativa aclamación de la crítica, este merece ser el álbum de hip hop del que estás hablando con tus amigos en el patio trasero este verano.

Si bien sus influencias son claras (ese sería Kendrick Lamar, amigos), GENERATION CURSE se las arregla para crear un mundo propio. Es sombrío y brutal, pero exige caminar con cautela. Erizado con una producción helada y una visión del mundo más helada, es una experiencia desgarradora, que seguramente alarmará a los oyentes ocasionales, pero en un momento en el que el hip hop depende en gran medida de la seguridad. apuestas pop (ver la carrera de Drake después de Leer esto) o epopeyas vacías y sobrecargadas (ver Utopía), hay más que mucho que decir sobre un álbum tan dispuesto a presionar botones y dejarlo todo en el suelo manchado de sangre. Permítanme ser más claro: este bien puede ser el álbum debut de hip hop más realizado, seguro y enfocado desde que el tipo que dije influyó en él. Si eso no dice lo suficiente para ICECOLDBISHOP, no sé qué lo hará. – Chase McMullen

[Fuego]

Atenas, la respuesta de Georgia a las campanas temblorosas del Reino Unido.Posesión inmaterial son perfectos si tu ambiente es la música folclórica teatral de vanguardia con un toque de florecimiento medieval. El segundo álbum de la banda, Mercy Of The Crane Folk, utiliza una variedad de instrumentación. El clavicémbalo y las flautas aportan una ensoñación gótica a “Medieval Jig”, los instrumentos de viento chirriantes rondan el tema inicial “Chain Breaker”, y el baterista invitado Jon Vogt aporta vibrantes capas de percusión a “Birth of Queen Croaker” que añaden un toque fantástico. El espeluznante abismo de “Siren's Tunnel”, donde Madeline Polites es la hechicera titular que te atrae hacia lo más profundo de la oscuridad, es una muestra de la habilidad instrumental de la banda, tejiendo hilos de influencia del Medio Oriente con folk tradicional, música clásica y psicodelia. Mercy Of The Crane Folk no será para todos, pero aquellos que lo sean, probablemente se conectarán con él de inmediato y disfrutarán explorando todos sus rincones lúgubres, habitaciones cavernosas y, en ocasiones, decoración ostentosa. – Ray Finlayson

[Nave estelar / ‎Kakao / ‎Columbia]

Como un poco fanático del K-pop (aprecio a NewJeans tanto como cualquier otro chico, pero principalmente terminé consultando con favoritos veteranos) fueron necesarios otros grupos de chicas recientes para traerme de regreso al redil.HEes sin duda uno de ellos (hablaremos del otro más adelante en esta lista).

En términos generales, comercializan una marca de K-pop decididamente madura, algo que bien puede atraer incluso a los detractores del género. El abridor, “Blue Blood”, se eriza con un estribillo casi contundente, que te atrae con ruido de tambores y voces que te envuelven por completo. Como suele hacer el mejor K-pop, combina géneros con un descarado y encantador desprecio (fíjese en la combinación verdaderamente extraña y adictiva de teclas G-Funk y pop con fallas que es “Hypnosis”). Naturalmente, encuentran tiempo para el tema básico del K-pop, y el ritmo y el gancho de “Kitsch” seguramente permanecerán en tu cabeza durante días. Tan esencial como lo ha sido el género este año. – Chase McMullen

[TEMPRANO]

¿Quién sabía eso?PeggyyDanny Brown ¿Se levantaría para salvar el hip-hop en 2023? Estoy hablando de manera un tanto hiperbólica: ha habido muchos discos de rap increíbles este año, pero no estaba en absoluto preparado para lo absolutamente necesario que se siente Scaring the Hoes, o lo cohesivo que se siente. No sólo lo escuchas; caes imprudentemente en sus locas y extrañas realidades. En retrospectiva, pocas parejas tienen más sentido que el diabólicamente creativo Danny Brown y el cerebro detrás de las aberrantes atmósferas hip-hop de JPEGMAFIA. Los ritmos de Peggy se cortan en cintas, se agregan densamente y se dejan descomponer en el calor húmedo del verano mientras Brown se ríe y se pavonea con una voz que desafía toda explicación, un aullido verdaderamente distintivo que encuentra compañía en las vibraciones fuera de lugar de la música. El álbum es sencillo, libre de relleno y te obliga a reconsiderar lo que el género es capaz de producir.

Cambiando entre ritmos bastante minimalistas que traquetean y colapsan y aquellos que parecen tan densos como una estrella en implosión, el álbum no se inclina a favor de ninguno de los artistas, prefiriendo deleitarse con el equilibrio de sus inspiraciones entrelazadas. “Steppa Pig” es un aluvión militante de ritmos corroídos y ritmos corrugados, mientras que “HOE (Heaven on Earth)” es un collage de anomalías carnavalescas del hip-hop y maquinaciones del gospel. Mientras que otros artistas podrían centrarse en uno o dos sonidos interesantes y crear algún borrador adyacente a la demo, Peggy y Danny se lanzan a la vorágine y crean un álbum que se deleita en su rareza, en los rápidos cambios de un momento al siguiente. No hay descanso, sólo transición. Scaring the Hoes es un refugio para el tipo de hip-hop hipnótico y poco convencional que rara vez se escucha en estos días y subraya aún más la necesidad de proyectos colaborativos como este. -Joshua Pickard

[93 d.C.]

cantautor británicoJoanne Robertson utiliza la música folklórica como una forma de recalibrar su brújula interna y encontrar formas de expresar todas las cosas inexpresables que residen en su corazón y su cabeza en un momento dado. Su voz es conversacional, posee una resolución férrea cuando es necesario y silenciosamente devastadora cuando se la deja sola. Y le resulta muy útil en su nuevo álbum, Blue Car, cuyas canciones han viajado con ella durante bastante tiempo, extendiéndose a lo largo de una década de experiencias, recuerdos y sentimientos olvidados y renovados. Extraídas de archivos de material inédito, estas pistas actúan como instantáneas de momentos precisos de su vida, historias acústicas sin adornos que parpadean en la oscuridad y esperan que alguien venga y espere con ellas hasta que salga el sol de la mañana para barrer las sombras.

Para Robertson, el camino recorrido en el camino hacia la revelación es lo que contiene los detalles más importantes. No se trata de dónde termina la música, sino de cómo da forma al paisaje y a cualquiera que esté al alcance del oído lo que genuinamente refleja su verdadera relevancia emocional. La canción principal la encuentra filtrada a través de una densa atmósfera de baja fidelidad, comenzando su viaje muy alejada de los demás, una voz solitaria llamando a quienes operan en su longitud de onda. Establece perfectamente el tenor del resto del disco, presentando una vacilación que lentamente se desvanece a medida que recorremos estos caminos con ella. “If It Feels” adquiere la apariencia de algo que Harry Smith podría haber grabado en su exploración de los Apalaches, mientras que “River Shock” es una hermosa mezcla de cuerdas pulsadas y voces etéreas. Nunca complica demasiado las cosas, dando a cada canción espacio para exhalar y reflexionar sobre sus propias aspiraciones, sin perder nunca de vista lo importante que puede ser un solo momento. -Joshua Pickard

[Órgano ideológico]

Con trabajo temprano,Kali Malone exploró el potencial del órgano de tubos (especialmente en The Sacrificial Code de 2019), luego cambió de tema y fusionó su propio trabajo de sintetizador con partes de trombón y clarinete bajo, cortesía de Mats Äleklint e Isak Hedtjärn (Living Torch de 2022). En enero de 2023, lanzó Does Spring Hide Its Joy, de cinco horas y nueve pistas. Haciendo un uso innovador de osciladores de onda sinusoidal, Malone estuvo acompañado por el guitarrista Sunn O))) Stephen O'Malley y la violonchelista Lucy Railto. El resultado es un conjunto evocador de interacciones, el trío forja una obra fundamental de minimalismo atmosférico.

La canción principal, “v1.1”, se abre silenciosamente pero con sorprendente claridad, una nota solitaria que pronto prolifera, la singularidad dando paso a la multiplicidad de una manera que sonaría verdadera tanto para Darwin como para Buda. El volumen y los tonos cambian, se añaden y eliminan armónicos, las texturas se suavizan y se vuelven ásperas. El trío demuestra una capacidad para permanecer convincentemente expresivo mientras se adhiere a un impresionante sentido de moderación.

En el tema “v1”, de una hora de duración, el trío es sutilmente interactivo pero precisamente equilibrado. Se destacan las síntesis y simbiosis, mientras el trío metaforiza la naturaleza interdependiente y evolutiva de la vida. Además, a pesar de que muchos de estos sonidos se mantienen durante largos períodos de tiempo, (eventualmente) se transforman o se desvanecen, lo que indica impermanencia.

A pesar de su intimidante duración, las resonancias zumbantes, las transiciones cristalinas y los movimientos enérgicos de Does Spring son fascinantes. El oyente imagina procesos de época: el Big Bang, los orígenes del tiempo y el espacio, el nacimiento y la muerte de las estrellas, el surgimiento y desaparición de especies. Los oyentes sinestésicos pueden experimentar ondas de luz en forma de prisma que van desde tonos terrosos hasta amarillo brillante. Ésta es música para trepar y rendirse. Ofrece una puerta de entrada a verdades más elevadas y trascendentes. – Juan Amén

[EMI/Geffen]

Kali Uchis ha buscado durante mucho tiempo una manera de unir el pop con el R&B sin sacrificar las vibraciones únicas de ambos géneros, y con Red Moon in Venus, ha entregado un álbum que habla de las fortalezas de ambos mientras evita los tópicos habituales que a menudo acompañan a estos sonidos. Centrado en la identidad propia, el amor, la autonomía emocional y la conciencia de los mayores dolores de la vida, este disco irradia un brillo efímero, deleitándose en la euforia de la alegría y los placeres físicos mientras denuncia aquellas cosas que intentarían robarnos nuestra felicidad. . La Luna Roja en Venus es una celebración de los momentos que nos empoderan de diferentes maneras, ya sea la sacudida que recibimos de la compañía íntima o la comprensión de que estamos trabajando gradualmente hacia una forma de realización personal.

Estas canciones revolotean y saltan de un pensamiento a otro, arrastrándonos a través de un vívido mundo de sintetizadores de los 80, exuberantes ritmos de R&B y una franqueza lírica bilingüe filtrada a través de torrentes de fanfarronería hip-hop. Su voz es plata líquida y humo a partes iguales, voluble y rodeada por una gran atracción gravitacional, siempre en un estado de movimiento fluctuante. Con la ayuda de Summer Walker, Omar Apollo y Don Tolliver en papeles secundarios, Uchis encuentra una manera de conectar la naturaleza efervescente de la música pop con las sensuales reflexiones del R&B clásico: es un equilibrio complejo que logra, navegando a través de melodías alegres que se extienden por millas. al mismo tiempo que se centra en ritmos cavernosos que revelan su aptitud única para fusionar diferentes estéticas y genealogías musicales. -Joshua Pickard

[Grabaciones de septiembre]

artista y poeta de chicagokara jackson Puede que acaba de lanzar su álbum debut, pero ha experimentado mucha vida en su tiempo, y todo se muestra a su manera en ¿Por qué la Tierra nos da gente para amar? Ese título nos da una pista sobre la vulnerabilidad emocional en juego en estas misivas acústicas, pero no hace justicia a la actitud pura que Jackson aporta a sus cuentos. Ya sea simplemente lamentándose "maldito idiota" o quejándose "Todos los hombres piensan que soy su puta madre / Bueno para la leche y bueno para la cena", se transmite un justo sentimiento de molestia humorística.

Pero en su mayor parte, estas pistas encuentran a Jackson explorando las profundidades de sus pruebas para descubrirse a sí misma. Con la ayuda de arreglos sencillos, algún que otro toque de metal y, sobre todo, su rico instrumento vocal, puede profundizar en la tierra de un sentimiento con tanta naturalidad como volar con él y escapar de su peso. Ya sea que esté lamentando sus malas decisiones en las citas o saliendo de su experiencia para observar el comportamiento de personajes deprimidos, aporta una complejidad simple y una enorme compasión que siempre es fascinante. –Rob Hakimian

[A. Internacional Rvng]

Jugar WOW a los desprevenidos seguramente te hará ganar algunas miradas y comentarios curiosos. Lo último del proveedor ruso de pop rarokate nv se encuentra en un extraño cruce entre música de ascensor, música new age, banda sonora de televisión infantil y placa de sonido ASMR. Pero ella lo combina de una manera más convincente y francamente atrevida que cualquiera de esos estilos.

Muy lejos de los sonidos densamente poblados de su álbum de 2020 Room For The Moon, WOW es ligero y aireado, con sus tonos y sonidos dispersos sobre un fondo blanco, similar a la portada. NV a menudo está ausente vocalmente, lo que permite que sus sonidos cuidadosamente desplegados, tonos de sintetizador seleccionados y toques de saxo hablen. Encontrar cualquier tipo de significado –o incluso un ritmo– al que aferrarse puede ser complicado; Estas canciones carecen de ganchos; diablos, ni siquiera tienen bajo. No es que el embaucador ruso no quiera que te sientas cómodo, pero puede resultar desalentador intentar manejar este extraño mundo de sonidos electrónicos. Es como si te hubiera invitado a sentarte en su sala de estar, pero todas las sillas tienen formas extrañas o están delicadamente equilibradas y no estás seguro de cómo encajar exactamente.

Pero es simplemente renunciando a cualquier deseo de encontrar orden en medio de WOW que comienzas a apreciarlo. Es divertido escuchar cómo se abren portales auditivos en medio de sintetizadores brillantes y percusiones con ligeros clics en “mi (we)”, moverse junto al violín y el saxo a través de una variedad de chirridos y arrullos en “early bird” o sumergirse en una cornucopia de tonos de llamada cursis. y melodías en el “meow chat” de cierre. Salir del otro extremo de WOW es como salir de un mega casino arcade después de haber tirado el cambio en juegos chispeantes y tintineantes que no seguiste, pero no puedes esperar a volver a intentarlo. –Rob Hakimian

[Pata de gallo]

Una exploración astuta y tortuosa de la infancia y la maternidad.Katie Gately El tercer álbum de Fawn / Brute es una producción teatral inmersiva de música electrónica. Hace obras gruesas y pesadas, como lienzos con capas de pintura goteando de un centímetro de espesor. Ella coloca capas de sintetizadores, instrumentos de viento y voz uno encima del otro hasta que te encuentras con vértigo, mirando hacia abajo desde una altura que no te habías dado cuenta que estaba construida debajo de ti. “Cleave” se pavonea con el aire de una canción de Róisín Murphy, la narración hablada de “Chaw” debe sus estallidos musicales cinéticos al hiperpop, y “Howl” tiene raíces en algo que suena como el canto de un estadio de fútbol americano.

Si bien las letras de Gately requieren un poco de trabajo para penetrar, su atractivo poético es suficiente para deslumbrar. “Squeamish dijo el aceite de oliva al señuelo del horno, al ronroneo del horno”, canta en “Scale”, mientras que en “Meat” talla imágenes vívidas con líneas como “Este invierno lloró y se revolvió, una astilla se convirtió en un bastón. " El momento destacado antes mencionado, “Cleave”, incluso logra que sus deliciosas sílabas – “Mi corazón es ladrido, rígido y rígido, ceñido al vestido de halcón” – suenen como si hubiera tomado blasfemias y las hubiera retrocedido para lograr un efecto seductor. Es sólo un ejemplo de cómo Gately te engancha: una sirena ante la que te quedas con los ojos muy abiertos, y sus canciones son el cebo perfecto. – Ray Finlayson

[Imperio de la ruta del papel]

La pérdida puede ser devastadora para la longevidad de un rapero. Si bien Quavo y Offset parecen decididos a continuar obstinadamente de la misma manera después del asesinato sin sentido de Takeoff, eche un vistazo al resultado general. No es injusto señalar la muerte de Proof al reflexionar sobre cómo Eminem se convirtió en un robot rapero, Ski Mask the Slump God parece haber desaparecido, la lista sigue y sigue.

Cuandollave glock perdió a su primo, mentor e inseparable compañero de rimas, Young Dolph, todas las apuestas estaban canceladas. Algunos pensaron que simplemente se marcharía, especialmente dada su fatiga preexistente con el hip hop y su desconfianza a la hora de entablar relaciones con artistas fuera de su círculo inmediato (ver “Fuck a Feature” en este mismo proyecto). Sorprendentemente, en todo caso, resurgió más convencido que nunca. Sin duda, el dolor rodea a Glockoma 2 (“Perdí a mi amigo, todos los días esta mierda duele”), pero está tan ágil y cruel como siempre. Tampoco ha cambiado su envidiosa selección en lo que respecta a la producción. Con la seguridad de que te golpearás la cabeza con el bajo y sentirás el cráter dejado tras el fallecimiento de Dolph, este se erige como uno de los proyectos de rap más desafiantes y esenciales del año hasta el momento. – Chase McMullen

Lankum–Falso Lankum

[Comercio rudo]

En todos sus álbumes hasta la fecha, el cuarteto irlandésLankum han demostrado ser alquimistas a la hora de fusionar las antiguas tradiciones de la música folk con enfoques más modernos, y su cuarto disco, False Lankum, es su mejor escaparate hasta el momento. Se apropian de un estándar en el tema inicial de ocho minutos, “Go Dig My Grave”, con los tonos penetrantes de Radie Peat contando la historia de unos padres que descubren que su hija se ahorcó; luego, Lankum se desliza hacia un zumbido mareado durante la segunda mitad de la canción, subrayando el miedo indescriptible de la situación. Es una introducción espeluznante al álbum que seguramente provocará un escalofrío en la columna vertebral de cualquier no iniciado.

False Lankum no permanece tan oscuro en todo momento. De hecho, la segunda canción, “Clear Away In The Morning”, es exactamente lo que sugiere su título; un nuevo día después de los horrores anteriores, las capas de instrumentación flotando como la niebla de la mañana que luego es barrida por una brisa de hermosa armonía. En otros lugares, nos deleitan con estilos folk más clásicos a medida que Lankum desarrolla historias de amor ilícito, bellezas míticas, maridos asesinos, resacas de lunes por la mañana y más, todo ello con un acompañamiento dinámico, rústico y francamente hermoso.

Y False Lankum también alberga algunos instrumentos emocionantes. Incluso en estas canciones, la interpretación de Lankum es tan expresiva y conmovedora que se siente como si estuvieran contando historias a través de melodías, porque eso es lo que son en esencia: narradores de historias. Todo lo que te piden es que te reúnas y prestes tus oídos y tu alma. –Rob Hakimian

[Leche de naranja]

Con Salesforce,Laura Bousfield racionaliza su trabajo anterior, publicado bajo su propio nombre y el apodo de Nero's Day at Disneyland, forjando más de 30 minutos de palimpsestos sónicos contracapitalistas y, de hecho, anárquicos. En “Mansions No One Wants to Buy for Any Price”, su voz es amigable con XMU, incluso amigable con Caroline Polachek, aunque adquiere un timbre agitado dada la forma en que es golpeada por sintetizadores frenéticos y fragmentos melódicos deformados. En “Hazer”, Ada Rook nos recuerda por qué probablemente debería aparecer en todos los álbumes con horror, metal o hipertendencias. Su grito demoníaco y la instrumentación cacofónica de Bousfield dan un nuevo significado a la noción de Jim Morrison de “un largo y prolongado trastorno de los sentidos”.

“Hail Sound” presenta las inclinaciones de piano clásico de Bousfield frente a una taza de café y una taza de azúcar. “Patrones de migración de aves de abandono organizado, violencia burocrática implacable” se basa en partes de percusión que siguen el ejemplo de Sophie y Arca y garabatos de piano acelerados que le darían a Shredder Yngwie Malmsteen una nueva fe. “Organizational Rot” se basa en el electropop y demuestra nuevamente la versatilidad vocal de Bousfield. Dicho esto, la pieza pronto se rompe por las costuras; Los elementos de percusión, sintetizador y piano se mezclan, chocan, complementan y yuxtaponen. El oyente es sacudido como un proverbial vaso de papel en un mar tormentoso. De esta manera, Bousfield elabora un proyecto que captura un espíritu de la época contemporáneo: la proliferación de narrativas, la ubicuidad de información conflictiva/poco confiable y la presencia abarrotada de casi ocho mil millones de egos, cada uno de ellos hambriento, voraz e insaciable. – Juan Amén

[Fuente / YG Plus / EMI / Universal Japón]

En el extremo opuesto del K-pop en 2023 del álbum anterior en esta lista, UNFORGIVEN prácticamente palpita con energía maníaca. Donde tengo IVE conlleva cierta madurez, casi señorial por momentos en su presentación,LOS SSERAFIM presentan un mundo perdido en algo parecido al pánico puro. No todas las ideas funcionan, pero cuando lanzan audazmente cada idea contra la pared con tanta confianza y energía, no puedes evitar dejarte llevar.

Desde sus influencias gloriosamente dispares, inspiraciones mitológicas y el maldito Nile Rodgers, UNFORGIVEN ciertamente no tiene miedo de dar grandes cambios. Es tan deliciosamente divertido como descaradamente salvaje. Los fans de toda la vida pueden quejarse de la inclusión de canciones repetidas, pero el álbum parece claramente destinado a presentarlas a una audiencia más amplia. Con ese espíritu, no se puede negar que las canciones simplemente funcionan juntas como un todo. Es un álbum que es mejor experimentarlo en lugar de hablarlo, así que por favor presione reproducir. – Chase McMullen

[Pistas capturadas]

¿Cuándo la influencia conduce a una imitación involuntaria? ¿Puede una banda encarnar tan completamente sus propias inspiraciones que pierda cualquier chispa de singularidad que atrajo a su audiencia en primer lugar? Estas son preguntas que me seguía haciendo mientras pasaba tiempo con Everything Harmony, el último álbum del dúo de hermanos de Nueva York.Las ramitas de limon . Pero cuanto más me sumergía en su suave abrazo del rock, más me daba cuenta de que estas preguntas eran inútiles y estaban moldeando innecesariamente mi perspectiva sobre la música. Brian y Michael D'Addario ciertamente se han desviado hacia el territorio de los 70 aquí, fusionando el folklore de Laurel Canyon con la pureza pop de la era de Pet Sounds, pero en lugar de juzgarlo por su dependencia de esos ancestros musicales, el álbum simplemente sugiere que la música puede ser informada de historia y totalmente único, una declaración de lo que vino antes y lo que está por ocurrir.

Las melodías son inmaculadas y giran alrededor de tu cabeza, ofreciendo un brillo y una calidez poco comunes incluso cuando profundizas en narrativas líricas más retorcidas. Creo que el espíritu de Alex Chilton estaría satisfecho. Evocan el vibrante garage pop de Big Star en “What You Were Doing” y una brillante efervescencia indie en “Ghost Run Free”, aunque es el tema de apertura, “When Winter Comes Around”, lo que marca a Everything Harmony como algo verdaderamente especial. Prepara el escenario para lo que está por venir y equilibra perfectamente sus afectos por el rock suave (no el rock de yates) con el deseo de demostrar su valía a todas esas bandas que obviamente admiran. Autocríticos a veces y llenos de asombro en otros, los hermanos D'Addario no se han limitado a crear un extraordinario disco de pop-rock: nos han transportado a una época en la que la música era absolutamente necesaria y los corazones podían romperse y sanarse. por una sola melodía. -Joshua Pickard

[Deseo de Muerte, Inc.]

Ocho años después de su último disco, la urgencia de la banda de San FranciscoLoma Prieta no ha disminuido ni un poco. Ha sido un momento tumultuoso desde su último largometraje, y cada centímetro de esa cepa se inyecta en Last, una explosión vital y vigorizante de 34 minutos.

Aunque encasillado como post-hardcore, Last encuentra a Loma Prieta mostrando cómo pueden mantener los principios del género pero ofreciendo un espectáculo diverso. Hay ritmo y urgencia en cada pista, tanto en la rápida percusión como en la voz deslumbrante de Sean Leary, pero la mezcla mágica de bajo y guitarra refleja la compleja variedad de emociones dentro de esa desesperación. De canción en canción, se desvían de bombas en picado en bloques a hermosas explosiones, a experimentos crujientes y a llamas de acordes ascendentes. Se desvían hacia el post rock y el black metal, siempre con precisión y propósito; no son turistas en estos sonidos, sino una banda de mente firme, lúcida y experimentada que puede expresar sus miedos en una variedad de estilos para superar la desesperación. .

Esperemos que el título Last trate sobre la capacidad de la banda para sobrevivir a todo, no una señal de que este sea el final del camino, ya que han demostrado aquí que todavía tienen mucha brillantez por aprovechar. –Rob Hakimian

[Jagjaguwar]

Hay una visión antigua que constantemente se abre paso a través deLonnie Holley 's Oh Me Oh My, un álbum tan profundo a veces como inesperadamente experimental. Con Moor Mother, Michael Stipe, Bon Iver, Sharon Van Etten y otros, se presenta como una especie de documento histórico, una colección de historias personales transmitidas de un hombre cuya vida ha sido moldeada por fuerzas de marea más allá de nuestra realidad. Los sentimientos expresados ​​son atemporales y, sin embargo, se sienten absolutamente vitales para comprender las cosas terribles que todos hemos soportado en los últimos años. Holley es una maestra, una mentora espiritual, pero estas canciones no tienen nada de torpe. No hay una nota falsa aquí, ni un momento en el que sientas algo más que completa empatía por su parte. Quiere ayudar, educar, guiar, y este disco funciona como su plataforma para la revelación emocional y social.

Su voz es irregular pero plenamente realizada, un tembloroso rayo de esperanza en un mundo envuelto en sombras. La música, una mezcla de blues, rock, indie y cualquier otra cosa que le interese incluir, está al servicio de su incomparable percepción del mundo y de la mejor manera de aclimatarse a sus estragos. Aprovechando el talento de sus invitados, esos temas son a la vez un escaparate de sus creatividades individuales y un momento para que Holley moldee esos sonidos en algo totalmente suyo. Nada se pierde, y el peso de sus palabras evoca una libertad emocional, una sensación de independencia ganada con esfuerzo de la gravedad de tantos años pasados ​​luchando contra las cargas que le impusieron. Hay un camino a seguir; hay una luz al final para aquellos cuyos ojos pueden levantarse para encontrarse con los suyos. El camino no es fácil, pero Lonnie Holley está con nosotros hasta que la música termina y los problemas de este mundo son solo recuerdos lejanos. -Joshua Pickard

[Sueños americanos]

Forjando su visión del diarismo sonoro,lucy liyou lanza su segundo álbum, Dog Dreams de tres pistas. Traducido del coreano 개​꿈, el término se refiere a una variedad de estados de ensueño, desde un sueño maravilloso hasta un terror nocturno, típicamente acompañado de una conciencia clarificadora de que la experiencia es ilusoria o irreal. Al igual que su compañera estética Claire Rousay, Liyou es a partes iguales estudiante, practicante de zen y flaneuse.

En la canción principal, Liyou trabaja con sonidos “encontrados”, tal vez agua goteando, extractos de una banda sonora hipnagógica y susurros modificados. Agrega drones agudos y elementos de percusión aleatorios, y finalmente busca una mezcla semi-orquestal, que incluye una parte de piano que fluye libremente y una voz alterada a la vez tranquilizadora y espeluznante.

“April in Paris” continúa utilizando voces susurrantes que ocasionalmente se transforman en gemidos simulados y operísticos. El paisaje sonoro está discretamente ocupado: notas sintéticas, acentos atmosféricos, el crujido de los pasos. “Me voy al cementerio”, anuncia Liyou, introduciendo el elemento muerte. La pieza se cierra con un fondo al estilo Basinski de texturas brillantes, que se desvanecen en una confusión de tendencia más distópica.

Más cerca, “Fold the Horse” continúa moviéndose entre lo etéreo y lo terrenal, lo celestial y lo aterrador, lo tranquilizador y lo agitante, y Liyou aborda la forma en que ocupamos múltiples mundos e identidades. Una gran sintonía con los detalles sugiere su aprecio por la realidad material; por otro lado, se deleita con los procesos límbicos y las no linealidades. Con Dog Dreams, Liyou combina hábilmente lo fenomenal y lo nouménico, recordándonos que estamos hechos de carne y polvo de estrellas. – Juan Amén

[Vista de vacaciones]

Es el mismo arco narrativo que el amado Turnstile de Baltimore: los favoritos del post-hardcore del bricolaje se convirtieron en “prometedores” del rock convencional y ahora provocan la ira de los tradicionalistas incondicionales que habitan en el underground. Los puristas siempre estarán enojados, pero no importa sus sentimientos, Los ÁngelesArma militar , al igual que sus homólogos de la costa este antes mencionados, han experimentado una transformación impresionante, superponiendo su iracundo sonido post-hardcore con un frente pop considerablemente más melódico y colorido en su álbum debut, Life Under The Gun. No intenta reinventar la rueda ni virar hacia un territorio experimental que traspase los límites del género; incluso es un poco poco impresionante al principio. Sin embargo, Life Under The Gun sí ve a la banda, que se hizo un nombre haciendo música cabreada propia del abarrotado y caluroso Los Ángeles, derribar sus paredes para un disco que es tan emotivo y carismático como el furioso EP que los trajeron aquí. Puede que ahora sean importantes, codeándose con Post Malone en estos días, pero el núcleo honesto y emocional siempre permanecerá intacto para Militarie Gun, ahora un poco apacible y contemplativo. -Kyle Kohner

[Ermitaño]

Dirigido por el compositor y multiinstrumentista Joshua Abrams y con la participación de una docena de músicos de la comunidad de improvisación de Chicago,Sociedad de la información natural es más una institución que una banda, un colectivo de jazz cambiante donde se fomenta la reconstrucción musical y se utiliza la experimentación como medio para la evolución personal. Su último álbum, Since Time is Gravity, los encuentra empleando los hipnotizantes patrones del ícono del saxo Ari Brown en busca de una antigua fuente rítmica de sonido, aprovechando una vena de música que parece antigua y liberada del flujo de la historia. Alternando entre una ejecución minimalista y momentos que revelan una densidad conversacional inesperada, el disco actúa como un conducto para la fascinación de Abrams por combinar los timbres melódicos de la música norteafricana con los interminables vórtices del jazz.

Anclado en el uso que hace Abrams del guimbri, un laúd cubierto de piel común en la música marroquí y a menudo asociado con el pueblo Gnawa, el álbum sugiere que la música puede proporcionar un refugio seguro para cualquiera que quiera distanciarse del mundo caótico que lo rodea, elementos de percusión. actúan como amortiguadores de distracciones innecesarias mientras las cuerdas pulsadas tiemblan y resuenan en ese espacio reconfortante. Pero Since Time is Gravity no sólo proporciona un lugar para la reflexión y la realineación emocional; Mundos enteros se construyen a partir de los contornos de sus deconstrucciones del jazz. Rápidamente te das cuenta de que su uso de tonos repetidos y monótonos funciona como una forma de proporcionar contraste a las ondulaciones orgánicas que forman la base melódica de cada pista. Este álbum es un misterio que no quiere ajustarse a los estándares del género, un lugar donde podemos salir del tiempo y perdernos en los pasillos laberínticos de sus sonidos. -Joshua Pickard

[NO DIOS]

Es raro que un álbum de hip-hop pueda describirse como magnífico, aunque hay excepciones. Uno de ellos es el álbum debut homónimo del dúo de Toronto.NODUO , una colección de orquestaciones llenas de cuerdas, oscilaciones de jazz-rap y atmósferas maleables impulsadas por ritmos, todo lo cual fue ensamblado por el rapero y productor Nonazz y el rapero no god. con la ayuda de la cantante invitada gothic delphine y el rapero Sneaky Preacher.

Al oscilar entre ritmos minimalistas decorados con cuerdas altísimas y exultaciones elásticas de boom bap que eventualmente colapsan sobre sí mismas, el disco se siente relajado e imbuido de una creatividad inquieta. Olas de soul clásico atraviesan los diversos paisajes del hip-hop expuestos, ofreciendo un contrapunto maravilloso a las influencias más marcadas de Nonazz and no god. han destrozado y reparado al servicio del mundo deslumbrante que habitan estas canciones.

Desde la euforia de los metales de “Scintillation” hasta los exuberantes ecos de soul-pop de “What Happened”, el álbum juega con conceptos de género pero nunca sacrifica su propia identidad musical única. Las densas cuerdas de “Light Industry” recuerdan el trabajo con tintes clásicos de Chris Connor o Joni James, mientras que “Seabird” evoca los collages rítmicos híbridos que favorece Madlib, con teclas que bailan y giran antes de terminar con una muestra de la película original de Viernes 13. . Hay un cierto aura meditativa en estas canciones, un reflejo de las experiencias de su juventud que moldearon su aprecio por los sonidos de todos los contornos y ángulos. Pero tan a menudo como miran hacia atrás y consideran dónde han estado y qué músicos han puesto la banda sonora en ciertos momentos de su pasado, este álbum está igualmente preocupado por lo que les depara el futuro y hacia dónde podrían llevarlos sus creatividades entrelazadas. -Joshua Pickard

[Playa de Zegema]

A veces la comprensión está realmente sobrevalorada. Pregúntale al outfit de Screamo de Nueva York (con solo un toque de black metal)OLTO , y probablemente estarán de acuerdo en que, de vez en cuando, las palabras simplemente no importan mucho: es la emoción pura y el sentido de comunidad lo que habla en su lugar. En su álbum debut, cada día es el día especial de alguien, la banda trata la voz del cantante Sean Kennedy como una textura más que puede deformarse y mutarse más allá del reconocimiento. Recordando la cruel experimentación de The Locust, aunque un poco más accesible, OLTH ha creado una quimera deforme a partir de las vísceras podridas del punk, el metal y el hardcore. Pero aquí hay una pregunta: ¿por qué es tan jodidamente pegadizo? Esto es algo que desolla extremidades y rompe huesos y, sin embargo, lograron hacerlo casi tarareable, lo que resultó en un gigante melódico empapado en las entrañas y el sudor de cada persona que participó en su creación.

Aparte de la rareza de cuatro minutos “>_<”, el álbum tiene una brevedad brutal, haciendo uso de tempos vertiginosos y voces banshee mientras la banda intenta borrar cualquier obstáculo que se interponga entre ellos y las vidas que desean. En esencia, el álbum documenta su búsqueda de la felicidad, de un significado personal en un mundo que constantemente busca negar la satisfacción emocional. Hay momentos, sin embargo, en los que la banda deja espacio para una reflexión más lenta, como en “The LasT sOng” y en el momento más destacado del álbum “sOng for jOrdan”. Pero estos destellos más tranquilos no son realmente indicativos de su perspectiva general, aunque sí brindan el alivio necesario de un bombardeo tan constante de volumen y caos rítmico. OLTH ha construido un álbum de considerable densidad, uno donde la amplitud a menudo se asocia con la revelación y mantiene sus ideales anárquicos frente a aquellos que buscarían disminuir sus ambiciones. -Joshua Pickard

[Su cinta]

Lo dejaré claro: soy un fanático de la música electrónica inspirada en la ciencia ficción. Dado que Nostromo de SleepResearch_Facility aún mantiene el nivel dorado de mi favorito personal, siempre estoy buscando más material en la arena.

Entonces, no hace falta decir que, gracias a su título y obra de arte,Lleno rico Los Warp Fields inmediatamente llamaron mi atención. Afortunadamente, va más allá de la estética superficial de la ciencia ficción y demuestra una escucha gratificante y aventurera. “Disembodied” tiene vibraciones de Metroid Prime y, en general, todo el asunto te da la sensación de estar explorando mundos distantes con indiferencia. Viaje hacia adelante. – Chase McMullen

[Polivinilo]

El Kempner aliasPerro pálido Siempre no ha tenido miedo de mostrar sus defectos, malos hábitos e historias desagradables a través de su música, y con Eye On The Bat podrían haber entregado su grupo más conmovedor hasta el momento. La pieza central “My Evil” ha llegado a la cima de las mejores canciones de Palehound, ya que es un resumen perfecto de lo que Kempner hace bien; siendo honesto, divertido e impactante mientras empaqueta los golpes en un sonido grunge-lite absolutamente pegadizo.

En otros lugares tenemos incursiones electrónicas en la palpitante “U Want It U Got It”, un tratado sobre chistes buenos y malos en “Good Sex”, rock de estadio lleno de frustración y rebotes en “The Clutch” y un bop acústico extremadamente bonito en “ Fadin”. En todo momento, Kempner apenas ve un rayo de sol en sus historias de lujuria, pérdida y vergüenza, pero junto con sus pegadizos y musculosos riffs, sus cruzadas se vuelven nuestras, y nos encontramos sacudiendo la cabeza y los puños al unísono con sus molestias. Un álbum que te hará tararear, bailar o bailar con él, Eye On The Bat es una píldora perfecta para acabar con un día aburrido y llenarte de emoción justa. –Rob Hakimian

[Dominó]

Un registro de opuestos emocionales, encuentra Crecimiento Formal en el DesiertoProtomártir en su forma más aventurera musicalmente y el cantante principal Joe Casey en su forma más desnuda y personal. Un viaje que abarca desde el final de la era del encierro (“Make Way”) hasta que Casey se encuentre en el momento más feliz de su vida (“Rain Garden”), el título del álbum puede leerse como su desarrollo personal en una época estéril. Paisajes emocionales que aún recuerdan la ansiedad de Corona. Consuelo ante la agitación y la tragedia privadas, como el duelo por su madre fallecida (que procesa en “Graft vs. Host” y “The Author”) y enfrentar el allanamiento de su casa y la mediocre respuesta policial al respecto (“We know the Rats ”) – viene en un constante movimiento hacia adelante que lleva el alma de Casey hacia adelante a través del tiempo. Durante este viaje, “Abran paso al mañana” se transforma en “¡Abran paso a mi amor!” La adaptación de imágenes de road movie y películas del oeste a un paisaje de tierras baldías estadounidenses contrasta con su aceptación de encontrar (y aceptar) el amor, la salida de la cruel jungla urbana que alberga a deportistas de edad avanzada (“Fun in Hi Skool”) y personas con el cerebro roto. multimillonarios (“Démosle propina al creador”).

Paralelamente a su lirismo florece una fuerte exploración musical: inspirada en las bandas sonoras de Ennio Morricone (particularmente en sus obras más allá del género occidental), hay un patetismo eufórico recién descubierto en las composiciones de Protomartyr. Parecido al glamour de la clase trabajadora de Suede o The Smiths en su forma más oscura y a las leyendas del shoegaze de Detroit, Majesty Crush, hay ira genuina y pasión ardiente en las vastas extensiones de estas canciones, bellamente enmarcadas por guitarras de pedal de acero distorsionadas. Sí, este es un registro político sobre nuestras experiencias cotidianas con el estado policial, con la extralimitación corporativa y la extinción masiva causada por la codicia capitalista. Pero también es observar los pequeños momentos de nuestras biografías cotidianas los que hacen de nuestra lucha una poesía bíblica épica. Cuando Casey canta "I'm BACK" en "Polacrilex Kid", lo dice en serio. Reflexionando sobre el sabor rancio de los chicles de nicotina, nos proporciona una humilde filosofía de vida –o un grito de guerra– ante los ojos de un adversario aparentemente insuperable: “¡Sigue masticando, muchacho!” Posiblemente el álbum más importante de Protomartyr en una línea de lanzamientos sobresalientes, Formal Growth in the Desert es un disco maduro y gentil lleno de ira curativa y euforia genuina para el mañana, sea lo que sea que depare. – John Wohlmacher

[Autoeditado]

RealYungPhil Las barras tienen una naturaleza tan espontánea (después de todo, en gran medida las practica estilo libre en el acto) que, para muchos viejos, es probable que parezcan medio cocidas. Sin embargo, cuanto más tiempo pasas con él, más vividas y esenciales te parecen sus declaraciones aparentemente casuales. Sin lugar a dudas, su música también se ve muy favorecida por su oído superior para los ritmos: para este proyecto, miró a Suecia, tocando, principalmente, Gud y Woesum.

Incluso en su forma más informal (es decir, cómo rapea el 99% del tiempo), de alguna manera suena como en casa con casi cualquier cosa, adoptando un paisaje sonoro inusual que haría que la mayoría de los raperos se rascaran la cabeza o intentaran acrobacias verbales que harían que incluso Marshall Mathers pone los ojos en blanco, Phil simplemente se apega a sus armas discretas. Victory Music puede incluso parecer un título bastante ostentoso para un rapero en gran parte desconocido (antes de que Alphonse Pierre de Pitchfork amablemente arrojara algo de luz en su dirección, al menos), pero no hay un sello más adecuado para esta colección de música. Esta es música destinada a ser tocada mientras te sientes supremo, intocable; esta es música, simplemente, para sentirte por encima de todo. – Chase McMullen

[Manivelas]

La compositora de sintetizadores radicada en Portland, Mary Sutton, ha descrito su nuevo álbum comoEstilos , Canyon, como “un día en la vida de un oso en un cañón de las Montañas Humeantes”. Es a través de este avatar que investiga audiblemente sus raíces nativas americanas, sus piezas conversacionales y ambulantes actúan como senderos a través del paisaje salvaje de la nación y su mente simultáneamente.

Por supuesto, la interpretación de música instrumental está dentro del oído y la mente del oyente, pero hay algo innegablemente agradecido y acogedor en Canyon. Las capas de sonido electrónico reflejan la magnificencia de “Waterfall” del tema inicial; hay una apreciación inmaculada del mundo natural por parte de un animal en el vívido “Yona”, el pájaro titular hace arcas y graznidos característicos en el aire de la tarde en “Nighthawk” y los sintetizadores de Sutton. se extienden como cálidos rayos de luz en el “Amanecer” final.

Canyon es el tipo de álbum que, al igual que los paisajes y la naturaleza en los que se inspira, no te llega. Pide al oyente que se acerque a él, que se comprometa con sus tonos burbujeantes e indefinibles. Una vez sintonizados con su longitud de onda, las vistas son impresionantes. –Rob Hakimian

[Autoeditado]

Sara a Noé El tercer álbum plantea una pregunta al oyente incluso antes de que comience la música, pero no espere una respuesta concisa. El compositor de Los Ángeles está más preocupado por el espacio intermedio de dos absolutos; “No sé dónde y no sé cuándo / Cuanto más me acerco, más lejos estoy”, posa en la brillante canción principal. La música ambiental de Noelle aquí es como un cielo lleno de estrellas o una carretera aparentemente interminable que desaparece en el horizonte. “Hum” brilla con sintetizadores vidriados y aturdidos, mientras que el tema inicial “Blooming Yucca” mira hacia los cielos nublados. Si Noelle abrazó completamente el ambiente, entonces podría haber habido momentos aquí que podrían haberse alargado el doble de su duración, listos para que los oyentes se sumergieran en ellos. “Podría quedarme/quedarme/aquí para siempre”, ofrece en un momento dado, y en el mejor de los casos, Do I Have To Feel Everything evoca exactamente ese sentimiento. – Ray Finlayson

[Autoeditado]

Como una descarga eléctrica, el rapero de Miamitiro te da una sacudida de voltaje sin filtrar y, junto con el productor francés Digitale, busca hacer retroceder el hip-hop una o dos décadas, cuando el rap convencional estaba poblado por ritmos en auge y narrativas líricas valientes que empujaban a los artistas a desenterrar los rincones oscuros de sus corazones. Su trabajo en Stigmatic se siente fiel al espíritu del rap, cruel, enojado y lleno de hostilidad hacia aquellos que podrían cuestionar su propósito y resolución. Estas canciones no se contentan con simplemente mirar hacia atrás y recordar; quieren compartir la atracción gravitacional de sus inspiraciones, traer ese sonido al presente y sugerir que a veces mirar hacia atrás es la única forma de avanzar. En ocasiones, el álbum recuerda a los primeros Eminem, con los mecanismos internos haciéndose eco de la complejidad errática de los flujos sin aliento de Shady.

Esa complicada estructura interna es lo que permite a Stigmatic expandirse y contraerse, evolucionar más allá de las normas aceptadas del hip-hop y desarrollar una existencia no definida por estímulos externos. Aquí no hay sensación de reposo, solo un impulso constante hacia adelante que te arrastra en una estela marcada por un ingenio contundente, reordenamientos musicales inesperados y un deseo de reconectar con la emoción cruda y el juego de palabras dinámico que parece haber abandonado el género en los últimos tiempos. años. Pero Shottie y Digitale buscan revitalizar la música rap, evitar tendencias temporales en favor de una relevancia emocional atemporal a través de un completo desprecio por la homogeneidad estética. Y si te ponen de pie, con los dedos medios levantados hacia el cielo y las voces elevadas juntas, apuesto a que lo considerarán un reconocimiento adecuado a todo el tiempo y el arduo trabajo que pusieron en hacer este álbum. -Joshua Pickard

[Morc]

Imagine un lugar donde la niebla mantiene el paisaje envuelto en un velo de misterio, pero donde algún que otro trozo de follaje escaso se libera de vez en cuando de los confines de este fenómeno atmosférico. Aquí es donde la música de la cantautora holandesa y arquitecta ambiental Mariska Baars, operando bajo la apariencia decomision de futbol , existe y espera pacientemente a que cualquiera se ponga a su alcance. Aprovechando la estética popular primitiva y usándola para crear un mundo abierto hermoso y desorientador de espacio emocional resonante que ocupa una realidad paralela de ruido mínimo utilizado al servicio de grandes revelaciones. ♥ / Lamb, de cinco pistas, muestra su capacidad para extraer una belleza devastadora a partir de señales musicales engañosamente simples, confiando en sus propias respuestas intuitivas a estos sonidos para formar un teatro rítmico de tranquilidad y alivio nebuloso.

La solemnidad y la inmensidad del abridor “No turn to harm” ayudan a Baars a establecer tanto el tenor del álbum como su inclusividad. A medida que sucumbes a la suave persuasión de la canción, comienzas a ver que hay tanto espacio para explorar y perseguir cualquier cantidad de impulsos que su alcance parece casi ilimitado. Hay variaciones sutiles enterradas en la música, y ella continúa con esta inteligente ambigüedad melódica en “Reaching”, su voz es un espíritu que deambula por pasillos interminables mientras tonos etéreos flotan sobre su cabeza para brindar orientación y un camino a seguir. El músico invitado Wouter van Veldhoven dota a “Aride afar” de guitarra con arco y grabaciones en bucle, cambiando los contornos esqueléticos de la pista a algo un poco más dinámico y distorsionado. Por muy desnudo y fluido que sea el álbum, Baars nunca deja que pierda su cohesión, manteniéndolo todo unido a pesar de su temperamento espectral y caprichoso. -Joshua Pickard

[Conocimiento profundo]

Todo es devastación de tierra arrasada y desviación maníaca para el dúo de metal de PortlandPosesión espiritual . Construida alrededor de las erupciones musicales gemelas del guitarrista y vocalista S. Peacock (Ulthar, Pandiscordin Necrogenesis) y el baterista y vendedor ambulante de sintetizadores caseros A. Spungin (Ormus, Taurus), la banda crea una cacofonía caótica que combina su ascendencia del black metal con algo más ruidoso y más experimental. Esta dedicación a adaptar la historia del metal con su propio deseo de causar la ruina terrenal ha dado como resultado su segundo álbum, Of the Sign…, una colección de exhalaciones violentas y llenas de cicatrices empapadas en destrucción de percusión sorda, teatralidad de guitarra fangosa y momentos de sintetizador carbonizado. iluminación, todos inclinados al servicio de un imponente testimonio del poder y la maleabilidad del metal.

Más allá de los impulsos del black metal, la banda también se deleita con una agresión inspirada en el punk/hardcore, el tipo de ferocidad descarada que las bandas más pesadas a menudo entierran bajo kilómetros de estrépito y voces apopléticas. No es que Peacock y Spungin no los ofrezcan con creces, sino la forma en que abordan esta amplitud cascarrabias a través de una lente de relevancia emocional y cohesión narrativa en lugar de centrarse únicamente en el volumen. Hacen un buen uso del espacio negativo, encontrando espacio para hacer crecer su ya cavernosa estética a través de breves momentos de reflexión mesurada, incluso cuando se desata el infierno a su alrededor. Of the Sign... trata sobre cataclismos metálicos desenfrenados y catarsis aulladas, todos pintados en diferentes tonos de negro y rojo, contentos de convocar ocasionalmente abominación infernal según sea necesario. -Joshua Pickard

[Bella Unión]

Hay una suave complejidad en el cantautor noruegoSusanne Sundfør Su último álbum, Blómi, resulta en un recorrido curiosamente experimental por los pasillos del folk, el jazz, el pop y la música clásica. El título se traduce aproximadamente como "florecer" y captura perfectamente la naturaleza ondulante de la música, con cuerdas, piano y diversas minucias electrónicas que se convierten en una hermosa y ocasionalmente desorientadora colección de ensueños filosóficos. Entre fragmentos de palabras habladas y un teatro vocal más melódicamente afinado, Sundfør aborda estas canciones a través de una lente caleidoscópica de ambigüedad creativa: nada es lo que parece y las intenciones son tan inescrutables como el humo que se enrolla entre tus dedos. Cada pista habla con su propia voz, consciente de las demás, pero nunca sujeta a una narrativa general o una catarsis emocional específica.

Desde la acústica de tendencia folk de “Rūnā” hasta el pop de percusión de “Leikara Ljóð”, el disco nunca se detiene en un momento por mucho tiempo, contento y dispuesto a saltar entre varios estados musicales antes de lanzarse completamente en direcciones completamente inesperadas. Incluso roza el pop inspirado en ABBA en “Alyosha”, alimentando una de las grandes melodías de los últimos años antes de que se desvanezca en una cacofonía zumbante de moscas. Blómi es un álbum muy difícil de precisar, cuyas inspiraciones resultan familiares pero ligeramente oscurecidas, como si estuvieran envueltas en un manto de paseos nocturnos y niebla matutina. En ocasiones aparecen fragmentos perdidos de melancolía, pero en su mayoría se mantienen en la periferia, lo que permite a Sundfør centrarse en los matices más profundos de estos tratados emocionales. A veces de apariencia frágil y tenue, pero nacido desde una perspectiva rítmica densa y complicada, el álbum es un manifiesto fascinante de una artista que se siente cómoda deconstruyendo tanto sus aspiraciones como nuestras expectativas. -Joshua Pickard

[Pasamontañas]

Con su lanzamiento en marzo de 2023, olhar pra t​á​s, banda brasileñaTerraplana bebe de plantillas clásicas mientras avanzas hacia un sonido más libre y ecléctico. La canción principal comienza con una parte de guitarra inspirada en My Bloody Valentine, alternativamente con forma de navaja y papel de lija. Luego, la canción pasa a la gloria del shoegaze por excelencia, con una voz lúgubre colocada en lo más alto de la mezcla. “conversas” es una melodía más lenta y fangosa, con guitarras saturadas pero huecas que contrastan con voces cristalinas. A mitad de camino, la pista gira hacia un sonido trémulo, que recuerda las gestalts bárdicas de Slowdive. La parte de guitarra melódica y resonante de “memórias” podría haber sido provocada por una pista de Cure de la era de Disintegration. Mientras tanto, “me esquecer” es una inmersión engañosamente brutal en vibraciones sadcore, espaciosos interludios que giran hacia un torbellino lleno de pelusa. Más cerca, “me encontrar”, que oscila entre drones y riffs entrecortados, es una amalgama de otro mundo de distorsión, ritmos de bola de demolición y voces fúnebres. olhar pra trás es un proyecto transportador y estratégicamente diseñado. Terraplana rinde homenaje descarado a los ejemplos del pasado mientras forja revisiones que suenan claramente contemporáneas. – Juan Amén

[Autoeditado]

Cuando percusionista y productor (sin mencionar al miembro de Vanishing Twin, entre muchos otros grupos)Valentina Magalettivinculado con el siempre misteriosoese es sakin Para un álbum de música exploratoria e improvisada, quizás pocos imaginaron que sería uno de los álbumes experimentales más intrigantes y gratificantes de 2023. Sin embargo, Cupo es exactamente eso. A la deriva entre el folk libre, la música electroacústica e incluso rozando el jazz (muy) abstracto, espera mucho de su oyente (particularmente paciencia), pero devuelve esa inversión diez veces más.

A menudo glacial, siempre sobria, se despliega ante tus ojos con cuidado pero con libertad. A veces, escuchar puede parecer como estar perdido en un desierto sin fin; en otras, parece prácticamente de otro mundo, como si estuvieras atado a una nave descarriada, a la deriva en el espacio, flotando cada vez más hacia regiones desconocidas a medida que la realidad decae a tu alrededor. Es enigmático e incluso puede resultar sutilmente hostil a veces, pareciendo escocer ante la idea de ser dividido, rechazando esa noción por completo al permanecer embriagadoramente distante e inescrutable. Un álbum que seguramente crecerá en ti con el tiempo que pases, te deja deliciosamente varado dentro de tu propia psique, ofreciendo poca misericordia, pero sí mucha reflexión cansada. Puede que no sea un amigo, pero ciertamente es un compañero siempre intrigante, que prefiere dejarte en un campo de fuegos sombríos y apagados, en lugar de invitarte a entrar. Estar abandonado rara vez ha sonado tan bien. – Chase McMullen

Yaeji–con un martillo

[SG]

With a Hammer es el sonido de la frustración y la ira reflejados a través de episodios de experimentación electrónica, momentos atrapados en el tiempo y mantenidos para un mayor estudio y deconstrucción.Yaeji utiliza dialectos inglés y coreano para documentar la impotencia y la furia pandémica, al mismo tiempo que encuentra formas de negociar diferentes sonidos para las palabras al servicio de este enorme gigante emocional que es un álbum. Las canciones, que a veces suenan casi de celebración, están repletas de juegos de palabras mordaces y una inventiva musical que permite que cada pista evolucione bajo su propia dirección, libre de influencias externas o timidez. Ya sea desentrañando melodías despreocupadas en “Ready or Not” o uniéndose a Loraine James para una deconstrucción cableada en “1 Thing to Smash”, Yaeji busca hacer realidad esta serie de sueños febriles sintéticos como una forma de abordar experiencias que amenazan con abrumar la realidad que los rodea. su.

Pocas veces un álbum ha equilibrado tan hábilmente la densidad de sus mecanismos líricos internos y a menudo abstractos con una musicalidad impredecible que desafía a los oyentes a intentar definir los parámetros de lo que están escuchando. With a Hammer es la forma en que Yaeji maneja todas las conversaciones simultáneas que tenemos con nosotros mismos a diario, con toda la inseguridad, vacilación, alegría y dolor envueltos en esta masa giratoria de electrónica y teatralidad vocal. El álbum ofrece un vistazo a monólogos privados y realizaciones sinceras presentadas junto con vibrantes sintetizadores, capas de instrumentación en vivo y una mezcla de percusión mínima y opulenta, lo que da como resultado una conmovedora colección de narrativas cambiantes y enredos emocionales completamente libres de limitaciones de género. -Joshua Pickard

Tuyos son los únicos oídos–Conocemos el cielo

[Lame-O]

Conversaciones iluminadas por las estrellas. Palabras dichas a las luciérnagas en las últimas horas de la primavera. Ingenio y ánimo nacidos de años de experiencia. Estas cosas viven y se ofrecen en la obra de la cantautora neoyorquina Susannah Cutler, una música que preside paisajes llenos de cuerdas bostezando, ecos acústicos otoñales y voces entabladas en diálogos íntimos. Su segundo álbum grabado comoTuyos son los únicos oídos , We Know the Sky, es un mar suavemente dinámico de vulnerabilidades susurradas, ajuste de cuentas emocional y cercanía familiar: el tipo de álbum que se guarda firmemente en el corazón y no se comparte con cualquiera. Los punteos, rasgueos y cuerdas del primer tema, “Dreamer”, recuerdan el suave tintineo pop de bandas como Orange Juice y The Go-Betweens, mientras que la canción principal se sumerge en atmósferas más folk, menos preocupadas por el impulso que por la conexión íntima y la empatía.

El pedal de acero de “Bad Habit” y la percusión rat-a-tat de “Stained” ofrecen capas adicionales a la ternura musical de Cutler. Incluso cuando su voz es tranquila y la música se posa ligeramente en nuestros sentidos, todavía hay un peso en sus palabras, un sentimiento de gravedad emocional mientras confía en nosotros. Ella documenta la lucha por salir del trauma, por superar el dolor que hemos experimentado y no permitir que determine lo que nos depara el futuro. La realidad de este tipo de curación es complicada. Y si bien los caprichos de la existencia y la identidad le impidieron durante mucho tiempo explorar plenamente la fuerza que poseía, su trabajo aquí le permite arrojar luz sobre cómo doblamos nuestros cuerpos y personalidades para encajar, para apaciguar a las personas que nos rodean y a través de nosotros. Know the Sky, finalmente puede navegar entre los detritos del dolor pasado para concentrarse en las posibilidades de su propio potencial. -Joshua Pickard

zulú–Un nuevo mañana

[Punto plano]

banda de los angeleszulú lidiar con el caos tonal. Su álbum debut, A New Tomorrow, es una mezcla de soul clásico, powerviolence, punk y jazz: es una quimera musical, algo cruel y en ocasiones hermoso que no duda en darte la vuelta si subestimas su poder o pertinencia. Ácido y propenso a atravesar realidades musicales paralelas, deja una estela de devastación y ajuste de cuentas psicológico a su paso. Desde la procesión de apertura de mentalidad clásica de “Africa” hasta el thrash duro de “For Sista Humphrey”, la banda ofrece manifiestos de densidad catastrófica. “Shine Eternally” evoca tropos del soft rock de los 70 y me recuerda a Ween en sus momentos menos maníacos, mientras que “Lyfe Az a Shorty Shun B So Ruff” zigzaguea entre la ferocidad del punk y los ritmos de Tamla. Pero hay algo más grande en juego aquí que simplemente la deconstrucción de la legión de influencias de la banda.

El álbum está influenciado por el dolor pero no está definido por él: la banda no se sumerge en la miseria. En todo caso, Un nuevo mañana utiliza su amplitud del tamaño de una arena para celebrar todas las cosas que los negros han logrado a pesar de que el mundo socava sus esfuerzos. Es un llamado a las armas, una apasionante amalgama de historias, musicales, emocionales y espirituales, que hablan del cambio y de cómo podemos derribar estructuras sociales ineficaces. Y en su volátil demolición rítmica y lanzamiento apocalíptico, somos testigos del absoluto desprecio de la banda por la fidelidad del género y la creación de un sonido libre del peso de un siglo de ascendencia musical. Una asombrosa exploración de la resiliencia, el trauma generacional y la identidad, Un nuevo mañana golpea con una fuerza tectónica, arañando los detritos que oscurecen la verdad personal y dejando al descubierto la necesidad de una ira efectiva. -Joshua Pickard

Escuche una lista de reproducción de Spotify de nuestras canciones favoritas de nuestros álbumes Overlooked 2023 aquí.

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